Techniques de l'art :

Les thèmes abordés:

Les couleurs - La peinture au couteau -
Prochainement, la couleur des objets .

Les couleurs

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(Ce petit exposé sur la couleur n'a pas la prétention de remplacer le cours d'un professeur. Il donne juste un petit aperçu de l'utilisation de la couleur chez les artistes. Si vous vous intéressez à la couleur, je vous conseille de ne pas vous limiter à ce résumé.)

" Ces lois et ces théories des couleurs me passionnent vraiment.
Ah! si on nous les avait enseignées dans notre jeunesse ! "
Vincent Van Gogh (1853-1890)

C'est Newton qui le premier parvint à décomposer le spectre de la lumière blanche en six couleurs distinctes, et c'est Young, quelques années plus tard qui parvint à réduire ces six couleurs en deux catégories différentes:

Les trois couleurs lumière fondamentales ou primaires: vert, rouge, bleu foncé.

Les trois couleurs lumière secondaires:  bleu cyan, pourpre, jaune.

Les couleurs lumière secondaires sont issues de l'association de deux couleurs primaires.

Ainsi, le bleu lumière + le vert lumière donnera le bleu cyan

Le rouge lumière + le bleu lumière donnera le pourpre

le vert lumière + le rouge lumière donnera le jaune.

D'autre part, une troisième classification vient se rajouter aux deux premières. Il s'agit des couleurs lumière complémentaires que sont le bleu foncé, complémentaire du jaune, le rouge, complémentaire du bleu cyan et le vert, complémentaire du pourpre.

Une couleur lumière complémentaire est une couleur secondaire à laquelle il manque une couleur lumière pour reconstituer la lumière ou bien, une couleur primaire à laquelle il manque une couleur lumière secondaire pour reconstituer la lumière, qui ne l'oublions pas, est constituée de six couleurs.

Tout cela n'est-il pas étonnant pour nous les artistes qui depuis nos débuts procédons différemment pour le mélange de nos couleurs ?

La couleur lumière n'équivaut pas à la couleur de nos pigments.

pour un artiste, les couleurs primaires sont les secondaires de la lumière et les secondaires de l'artiste sont les primaires de la lumière.

Le mélange des primaires artistiques, en quantité égales, donnent le noir.

Un artiste utilisera pour peindre les mêmes couleurs que celle qui composent le spectre de la lumière, mais dans des associations différentes. Il pourra donc, par conséquent, reproduire tous les effets de la lumière naturelle, bien que le processus d' association des couleurs soit différent dans les deux cas.

Ces différentes classifications de la couleur pigment des artistes définit un cercle chromatique par lequel on parvient à déterminer une autre catégorie de couleurs, très importantes aussi: les couleurs complémentaires. Sur le cercle chromatique, elles apparaîtront à l'opposé l'une de l'autre.

Le bleu cyan est complémentaire du rouge
le jaune est complémentaire du bleu
le pourpre est complémentaire du vert
Le bleu outremer est complémentaire de l'orangé
Le vert clair complémentaire du violet
Le vert émeraude complémentaire du carmin
et réciproquement pour toutes ces couleurs.

Le fauvisme, mouvement picturale dont les artisans furent les peintres dits "fauves", en raison d'une phrase lancée par le critique Louis Vauxcelles lors du vernissage du salon d'automne de 1905, en voyant une statuette de syle florentin dans la salle où exposait Matisse et ses amis ("Donatello parmi les fauves !"), est sans aucun doute le mouvement qui illustre le mieux l'utilisation des couleurs pigment complémentaires.

Les fauves, dont Matisse, Rouault, Raoul Dufy, Othon Friesz, Manguin, Camoin, Georges Braque, etc, faisaient partie, utilisaient en effet des couleurs vives, voire même des tons purs en juxtaposition les uns aux autres, tout en créant des effets de contrastes exceptionnels, que seules les juxtapositions de couleurs complémentaires peuvent donner.

les couleurs complémentaires permettent donc de travailler des contrastes maximun, à l'instar des "fauves" ou même, des post impressionnistes, dont Van Gogh, certainement, est le plus illustre représentant.

Néanmoins, les couleurs complémentaires ne servent pas uniquement à peindre des contrastes maximaux. Elles permettent aussi de travailler en couleurs rabattues (cassées), que l'on obtient en mélangeant deux couleurs complémentaires en proportion inégales, et en y rajoutant du blanc.

Peindre en couleurs rabattues, c'est donc connaître parfaitement les couleurs complémentaires, et donc, puisque ces dernières sont issues du mélange de deux primaires, connaître parfaitement les couleurs primaires.

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La peinture au couteau

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Je sais que de nombreux d'entre vous aiment la peinture en relief, travaillée en épaisseur; aussi, je me propose de vous parler de la peinture au couteau, petit instrument qui revêt différentes formes, adaptées à différents besoins et que l'on aussi nommer: " truelle à peindre "

Comme à l'accoutumée, référez vous à différents ouvrages si vous souhaitez en savoir plus à ce sujet. Les sujets traités n'ont pas la vocation d'enseigner mais de communiquer une connaissance, une expérience de travail qui n'a rien d'institutionnel.

Pour peindre au couteau, on utilise donc un outil composé de deux parties; l'une en bois,(le manche), l'autre en métal (partie sur laquelle la peinture vient s'appliquer )

Pour la peinture au couteau, on utilise généralement de la pâte épaisse, du pigment pur, très peu ou pas de solvant, et l'on appose sa pâte directement sur la toile. On peut aussi se servir de cet objet qui ressemble à une truelle de maçon, pour le mélange de ses couleurs sur la palette.

Pour ma part, je pense qu'il est- préférable de préparer sa toile avant de peindre au couteau, de manière à recouvrir toutes les petites aspérités du support, et aussi, de manière à respecter une règle fondamentale de la peinture à l'huile: "gras sur maigre". Ainsi, si vous recouvrez d'un fond de couleur diluée à l'essence de térébenthine votre toile, vous pouvez ensuite y apposer un corps plus gras, en pleine pâte. (Les tubes achetés dans le commerce contiennent une huile qui empêche la peinture de sécher).

Ensuite, vous pouvez procéder de différentes façons: soit vous mélangez vos couleurs directement sur la toile, mais cela reste difficile pour les surfaces complexes, soit vous mélangez vos couleurs sur la palette, ce qui me parait préférable pour l'élaboration des détails.

Le couteau vous permettra de donner du relief à votre oeuvre s'il est utilisé en pleine pâte , mais il vous permettra aussi de travailler de grandes zones plates, uniformes et monochromes, comme dans les "à plat" de peinture.(technique très en vogue qui permet de travailler en couleurs vives et pures).

Pour ma part, j'utilise le couteau pour dessiner des lignes, des contours, et surtout pour créer un mouvement linéaire que je sculpte dans la pâte même, avec le tranchant de l'instrument.

Pensez à respecter la règle "gras sur maigre", et utilisez plusieurs couteaux de différentes formes, et ensuite, laissez-vous aller à votre créativité, je suis sûr qu'il y a autant de possibilités à se servir d'un couteau à peindre qu'il y a d'artistes peintres !

Les couleurs - La peinture au couteau

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Démarche artistique

L'art est comme la vie, il faut en attendre la conclusion pour prétendre le comprendre , et lorsque la vie finit rares seront ceux qui l'auront compris...

Alors, ma vie, mon art, est une quête de la compréhension des choses et des êtres, et, plus j'avancerais vers la connaissance, plus les barrières de la forme transcenderont l'apparence; Nos prisons sont nos identités, et notre mot de passe vers la liberté,  c'est notre communion avec la nature, l'au-delà, le spirituel, l'art, la vie quoi !

Ma peinture, je pense, ne suit aucun courant, elle n'est le fruit d'aucune école. Elle puise dans mon subconscient ce trait incisif, impulsif qui dessine mon enfance. Elle ne s'ouvre pas sur le mimétisme culturel inconscient qui limite si souvent l'authenticité, la création, car je suis volontairement resté replié sur-moi-même afin de m'en défaire.

Je ne vois pas les choses et les êtres engoncés dans leurs traits; l'intérieur communique infailliblement avec l'extérieur, tout comme la couleur de ce premier est tributaire de la couleur de ce dernier. Le cadre physique de l'oeuvre doit-il en être le geolier ?

Mes formes exsudent au-delà de ce carcan, tentent de communiquer avec ce regard qui se pose sur elles, et si paradoxalement ces dernières sont si appuyées, c'est que notre identité repose sur la forme.

Incontournable, on peut cependant la détourner, l'étirer, la contracter, la synthétiser. Le trompettiste n'embouche pas son instrument mais se mélange avec lui, malgré le trait épais de son enveloppe charnelle; sa chair n'est plus, sa forme n'est plus, et la symbiose peut enfin s'exprimer. La musique n'est pas l'instrument, elle n'est pas l'homme non plus; elle est les deux à la fois.

C'est cette somme, cette vibration subtile, cette perception de la vie, qui dirige mon art

De même, une mère n'est pas une  mère à elle toute seule. Pourquoi alors sa forme exprimerait-elle sa condition même si cette dernière jouxte celle d'un enfant ?

La fusion des traits, c'est le passage de l'intérieur vers l'extérieur, et réciproquement, de l'extérieur vers l'intérieur, comme un symbole de communication.

Les gens, tout comme les objets, n'ont pas besoin de nous parler pour communiquer avec nous; ils se répandent au delà de leur forme, s'amalgament à l'environnement et montrent leurs couleurs...mais pas celles qui caractérisent leurs formes !